De què parla la "Història de l'art repugnant"
Qualsevol art s’ha de veure des del punt de vista de l’època en què es va crear, basant-se en la mentalitat d’un país concret i en propietats específiques inherents a l’autor de l’obra. Això pressuposa la presència no només d’una gran quantitat de coneixement, sinó també el desig d’entendre la psique d’una persona que ha viscut durant molt de temps en un punt concret del planeta Terra. I només llavors es pot obtenir un retrat psicològic objectiu del creador i entendre la seva obra …
L’any 2019, l’Edmo Eksmo va publicar el llibre Art repugnant. Humor i terror de les obres mestres de la pintura”. L’autor, crític d’art per educació, amb una excel·lent erudició i un sentit de l’humor brillant, escriu sobre obres d’art mundial des d’un punt de vista inusual per als amants del bell.
La història d’aquest llibre va començar al blog personal de l’autora el 2017, sota el títol “Repugnant crítica d’art”, va publicar una anàlisi del contingut de les pintures del passat, impactants lectors, molts dels quals són generalment obres mestres reconegudes d’importància mundial. L’autor presenta les trames d’aquestes pintures en un llenguatge modern a la manera d’un animat discurs col·loquial, sense la semblança científica adoptada entre els intel·lectuals i el vel de temes aguts que no s’accepten per a la discussió a l’espai cultural. Sota la seva ploma, antics mites grecs i històries bíbliques van llençar roba cultural i es van convertir en contes de caníbals, violacions, robatoris, assassinats, crims i tota mena de mutilacions que s’infligeixen persones, herois i déus, sants, reis i màrtirs.
El bloc es va popularitzar ràpidament. L’any 2019, l’Edmo Eksmo va publicar el llibre Art repugnant. Humor i terror de pintar obres mestres”en milers d’exemplars. El llibre es va convertir en un èxit de vendes. Com escriu la pròpia autora, el llibre conté "les meves bromes estúpides sobre l'art i imatges sanguinàries sobre la violació, el canibalisme, l'excavació d'una mirilla i altres delícies".
M'he trobat repetidament amb el fet que moltes persones intel·ligents, subtils i intel·ligents es deixen portar per aquest fenomen i amb els ulls ardents absorbeixen històries de "repugnant història de l'art".
En aquest article, vaig intentar esbrinar quina és l’essència d’aquest fenomen, qui és el consumidor d’aquestes històries i si aquest contingut és útil per a la societat. Què hi ha darrere de la “repugnant història de l’art”: la llum del coneixement, tal com l’autor la situa, o la devaluació d’obres d’art mundial reconegudes per la humanitat? O potser la veritat es troba en algun lloc diferent, no relacionat amb l’art?
Comencem de lluny i recordem la història de l’aparició de l’art, tal com ho revela Yuri Burlan a la formació “Psicologia sistema-vector”.
En l’inconscient de la humanitat, la natura té dos desitjos bàsics: l’autoconservació i la reproducció. D'això surten dues aspiracions bàsiques: menjar per viure i continuar amb els nens. Per tant, el sexe i l'assassinat han estat els motors principals de la vida de qualsevol persona durant molts milers d'anys. I actualment, a la gent, en un estat arquetípic no desenvolupat, li agrada sobretot discutir sobre aquests temes, xafardejar-los als bancs i veure les pel·lícules: qui va matar o va mutilar qui i qui va mantenir una relació íntima amb qui.
Per preservar l’espècie de l’extinció, les persones han establert tabús i lleis inscrites en la nostra evolució. El segon factor dissuasiu va ser l’aparició de la cultura. Com a resultat d’un complex i llarg procés d’evolució de la nostra psique, la gent ha après a simpatitzar, a empatitzar amb una altra persona, ha aparegut l’amor. Més tard, la traducció d’aquest estat en formes i colors es va convertir en una de les principals destinacions de l’artista.
La cultura i l'art es van convertir en instruments que van frenar la tensió de la societat, amb la seva ajuda la gent va donar sortida a les seves emocions i es va abstenir de les agressions els uns als altres. Com?
Els artistes van reflectir en la seva obra el món que els envoltava en formes i colors, percebuts per ells a través del seu òrgan especialment sensible, la vista, i un dels significats més importants de la creativitat era i continua sent fins avui el component emocional.
Sentir emoció, imaginar-se en el lloc d’un altre, compadir-se de l’ofès, amenaçar l’ofensor, almenys pensant en protegir els dèbils; aquesta és una característica i capacitat d’aquelles persones que són portadores del anomenat vector visual. A la comunitat humana, aquestes persones són al voltant del 5%. En adonar-se de les seves propietats, sovint es converteixen en metges i artistes. Un metge és una persona que ajuda una altra persona, li cura l’ànima i la psique, l’accepta, empatia i compassiva. L’artista és qui motiva l’espectador a estimar amb el seu art visual, perquè a ell mateix li encanta.
La cultura s’ha desenvolupat i continua desenvolupant-se en paral·lel a l’evolució humana. A nivell de naturalesa inanimada, les persones van poder apreciar la bellesa de les formes, a nivell vegetal i animal, van aprendre a establir i complicar una connexió emocional amb el món dels éssers vius, a nivell humà, idees humanístiques del més alt va aparèixer el valor de la vida humana. El quart nivell espiritual encara no ha estat revelat per la humanitat. Però entre els grans artistes, autèntics genis, la psique dels quals inclou tant vectors sonors com visuals, podem veure intents de traduir aquest tema en creativitat durant diversos segles.
El grau de desenvolupament del vector visual difereix entre els seus portadors i determina l'interès de l'artista per què i com representa a la seva obra. Però, bàsicament, sempre hi ha un gran interès pels representats. Si l’artista encarna escenes de por i violència al llenç, si pinta l’autolesió amb tots els detalls, espantant-se i espantant el públic, això indica que la seva psique es troba en un estat no desenvolupat, frustrant o estressant. Aquesta creativitat no és útil, no fa avançar la humanitat pel camí de l’evolució. És un maniquí.
El fil conductor de la "repugnant història de l'art" és la conversa sobre els temes terrorífics que fonamenten les trames de moltes obres d'art. L’autor del llibre escriu a la introducció: “A molts museus d’arreu del món es poden trobar pintures d’artistes famosos dels segles XV - XIX, que sorprenen pel seu contingut. Hi ha una cosa dolenta que els està passant clarament: assassinats o desmembraments, es mostren monstres o són indecents, al nostre parer, accions. Per entendre què passa exactament al llenç, cal endinsar-se seriosament en la història o la literatura, recordant herois mítics oblidats de molt de temps.
I resulta que molts d’aquests horrorosos personatges - criminals i víctimes - han estat deambulant de fotografia en fotografia des de fa segles, des de l’antiguitat i el Renaixement fins al romanticisme i la modernitat. Durant segles, els artistes han mantingut l'interès per aquests temes, malgrat un gran nombre d'altres històries molt més "decents" i belles. Depenent de l’època, els motius d’aquest interès canvien, però la seva font principal es manté inalterada: la necessitat de comprendre una i altra vegada allò que el més terrible pot crear d’una persona a una altra, la necessitat de conèixer els dimonis de la seva pròpia ànima.
Si resumim els temes sobre els quals escriu l'autor, obtindrem el mateix assassinat i el mateix sexe. És aquest rerefons que revela l'autor de la "repugnant història de l'art" a les seves històries.
Després d’haver assolit l’aspecte desagradable de les pintures i, en essència, els fonaments de la vida humana tal com està en el nostre inconscient, l’autor de la “repugnant història de l’art” posa fi a això, deixant al rient lector un pensament amarg:, resulta, què és l’art! Sexe i assassinat, violència, crims i vicis de la naturalesa humana, coberts de colors vius i d'una forma bonica . Amb aquest enfocament, la representació de les passions de la naturalesa humana resulta ser el propòsit final de l’art, i el paper de l’artista es veu com els mètodes d’un bufó que entreté l’espectador amb anècdotes en colors.
Desposseint la trama, revelant el mecanisme de les accions de la gent, la "repugnant història de l'art" devalua l'art, presentant-lo com una tira d'historis d'històries horribles, estúpides o divertides, vistes d'aquesta manera a través dels ulls del nostre contemporani.
Qui és el consumidor d’aquest contingut? A qui li agrada burlar-se dels herois i exposar el costat fosc de la natura humana? Propietaris de les mateixes propietats del vector visual. Molts d’ells tenen estudis superiors, van ser educats en mostres de literatura i música clàssica, van visitar museus i teatres. Ells, amb un vel d’educació, poden apreciar allò que és bell i elegant, però no experimenten prou plaer a la vida.
Divertint el lector amb un estil alegre i una trama fascinant, l’autor no mostra el més important: com l’artista interpreta aquests esdeveniments, com la imatge del llenç reflecteix el punt de vista de l’artista i quin és el seu propi missatge al espectador. I sempre passa el mateix en les reconegudes obres mestres de la pintura: acceptació, empatia, condemna a la violència i simpatia pels ofesos.
Cal tenir en compte que els valors morals de les persones no són constants: en diferents moments, en diferents països, en funció de la mentalitat de la gent i la mentalitat de l’artista, poden diferir. I el que és natural i acceptat en una època es pot percebre com a monstruós en una altra. Avui, quan l’humanisme liberal ha elevat el valor de qualsevol vida humana a l’absolut, qualsevol violència contra una persona és inacceptable, i molt menys l’assassinat i l’autolesió. Però no sempre va ser així.
Vegem dos exemples de la història de l'art. El quadre de Rembrandt "La violació de Ganímedes" representa una trama de l'antic mite grec, en què l'àguila-Zeus s'emporta un noi robat del poble sota els núvols.
Centrem-nos en el que retrata exactament Rembrandt. El gran holandès mostra a l’espectador el patiment i la por d’un nen petit segrestat per un ocell gran. Segons els cànons estètics del nostre temps, el rostre arrugat i tacat de llàgrimes del nen petit no és l’ideal per a la bellesa infantil, les gruixudes cames i la cara ampla del nadó no causaran simpatia a totes les persones, però sens dubte la sensació que l'artista, el mateix pare, té per al retrat del nen. Alguns detalls precisos –i qualsevol mare i pare recordaran el seu fill en una situació emocionalment semblant– agafant un munt de baies a la mà, amb la camisa aixecada, orinant en un got transparent de por. Què es representa exactament en aquesta imatge? Relacions sexuals inapropiades, com escriu sobre això l'autor del bloc? No. Compassió i empatia per un home petit que es troba en una situació difícil.
Un altre exemple. A la pintura de Rubens "El rapte d'Orifia per Boreas" (1715), un home poderós té una dona inflada als braços. En paraules de l'autor de la "repugnant història de l'art", es caracteritza per ser "un home que comet sobre aquest llenç l'acte il·legal de segrestar una dona del seu lloc de residència permanent per tal de cometre actes sexuals periòdics amb posterior detenció contra la seva voluntat en un altre lloc ". El llenguatge modern del protocol emfasitzat devalua els representats i ara l’espectador, en lloc d’imatges meravellosament escrites de dues belles persones amb sentiments forts, veu una història policial banal.
En molts mil·lennis de la història de la humanitat, el segrest de dones d’una tribu veïna ha estat una garantia de supervivència. Els matrimonis mixtos donaven descendència forta i intel·ligent, protegien la tribu de la degeneració. Des del moment en què es va explotar l’instint maternal, la dona va ser tractada com a propietat sense dret a la seva pròpia vida. I en temps de Rubens, aquest era bàsicament el cas. La trama d’aquesta imatge era comprensible per a la gent del segle XVII i, tot i que no prové de les realitats de la seva vida, és força acceptable com a imatge del passat històric. La mesura del segle XXI, que ha avançat molt en el reconeixement dels drets de qualsevol persona, no pot ser "jutjada" per les pintures d'artistes que van viure fa molts segles.
Què es representa en realitat a la pintura de P. Rubens? Es tracta del segrest d’una dona per part d’un home per plaer, per l’experiència més aguda i poderosa, de vital importància per a qualsevol adult normal. Als braços d’un home apassionat i fort, una dona submisa, ja amb un rubor sensual, disposada a acceptar l’home que la va escollir i a complir el seu destí. No hi ha sofriment ni resistència en la seva postura, es tracta d’una premonició d’una felicitat femenina ordinària i tan desitjada: ser estimada, ser dona i mare. Aquesta és una imatge sobre la unió d’un home i una dona, sobre la seva acceptació mútua, que és l’amor.
De fet, revelant correctament els fonaments de la naturalesa humana, la "repugnant història de l'art" posa fi al punt en què cal posar una coma i anar més enllà, comprenent més profundament el procés iniciat per l'autor. La devaluació de l'art del passat per càustica, de vegades a punt de no imprimir, en una paraula, i la valoració d'aquest art des de la perspectiva d'una persona del segle XXI és absurda i innecessària. Això equival a com un adult condemnaria un bebè per cacar-se als pantalons i arrossegar un gat per la cua.
Eliminar els vels i entendre l’essència de les trames mitològiques, religioses i altres de la història de la humanitat és el primer pas per a una comprensió real de l’art i del seu paper en la història.
Suggeriria un altre algorisme per comprendre l'essència de l'art:
Primera etapa: per entendre la trama d'una obra d'art concreta, "despulla" la trama fins a la seva essència senzilla.
2a etapa: anàlisi sistema-vector de la trama subjacent a una determinada obra d'art.
3a etapa: l’estudi de com l’artista va representar la trama amb les seves eines del pintor, quins significats hi va posar, quines característiques de la percepció del món s’hi llegeixen en relació amb la mentalitat de la gent i la mentalitat de l’autor de la imatge.
Després d’haver aclarit tots els matisos de la història representada fins a la claredat cristal·lina, cal tornar al vessant formal de l’obra d’art i a través dels ulls d’un crític d’art amb el talent d’un escriptor en un llenguatge literari d’alta qualitat per com l’artista va complir exactament la seva difícil i noble missió: va despertar compassió, amor en les persones, superant l’odi i l’alienació, mentre feia preguntes sobre l’estructura de l’univers, buscava el sentit de la vida.
Aleshores, moltes situacions terribles, divertides o ridícules capturades a la pintura seran enteses correctament per l’espectador del segle XXI i deixaran de provocar rialles idiotes o amarga decepció en l’art i l’obra de l’artista.
Qualsevol art s’ha de veure des del punt de vista de l’època en què es va crear, basant-se en la mentalitat d’un país concret i en propietats específiques inherents a l’autor de l’obra. Això pressuposa la presència no només d’una gran quantitat de coneixement, sinó també el desig d’entendre la psique d’una persona que ha viscut durant molt de temps en un punt concret del planeta Terra. I només llavors es pot obtenir un retrat psicològic objectiu del creador i entendre la seva obra.
Esbrinar què hi ha darrere de les trames d’obres d’art famoses des del punt de vista del coneixement sistèmic significa arribar a l’essència de les relacions humanes i, a través de les històries plasmades en els llenços, entendre literalment tot allò que mou la humanitat pel camí. del seu desenvolupament. I, a continuació, mireu una obra mestra específica a través dels ulls dels seus contemporanis, a través dels ulls del mestre que la va crear, i enteneu què va retratar exactament l’autor –Rubens, Miquel Àngel, Kandinsky, Picasso– quin missatge va transmetre a la gent i avaluar correctament quina mena de contribució va fer l’artista en el camí de l’evolució de la humanitat.
