Final de la pintura: blanc i negre. Part 1
De sobte, l’artista va cobrir la composició del color amb un quadrangle negre i, a continuació, va començar a escriure totes les formes una rere l’altra fins que quedava un sol quadrat negre al llenç. La força d'influència de la proporció de mida i color que es va trobar amb precisió va ser tan gran que es va sentir extremadament agitat i durant tota una setmana no va poder menjar ni dormir …
L’ocell surt de l’ou. L’ou és el món. Qui vol néixer
ha de destruir el món. L’ocell vola cap a Déu.
Hermann Hesse, "Demian"
Fi de la pintura
Suprematism és un concert on l'art mundial es va unir per morir.
N. Punin
L’estiu de 1915, Kazimir Severinovich Malevich va treballar en el teló de fons de l’òpera Victory over the Sun.
Aquesta òpera suprematista d'Alexei Kruchenykh, Mikhail Matyushin i Kazimir Malevich va parlar del grup "Budelyan", que es va llançar a la conquesta d'una estrella distant. El llibret feia servir un llenguatge inexistent inventat pels autors. La música es va basar en la dissonància i el cromatisme. Malevich treballava en vestits i decorats.
Què es pot representar al decorat d’una òpera en un llenguatge inexistent? El sol és blanc i rodó, i es pot derrotar pel seu contrari: una cosa negra i quadrada.
De sobte, l’artista va cobrir la composició del color amb un quadrangle negre i, a continuació, va començar a escriure totes les formes una rere l’altra fins que quedava un sol quadrat negre al llenç. La força de la proporció de mida i color que es va trobar amb precisió va ser tan gran que es va sentir extremadament agitat i no va poder menjar ni dormir durant tota una setmana. Aquest quadrat negre sobre tela blanca era una forma de color increïble. Malevich es va adonar que havia creat alguna cosa nova, cosa després de la qual la pintura mai no seria la mateixa.
Uns mesos més tard, es va inaugurar a Sant Petersburg una exposició titulada "L'última exposició futurista de pintures" 0,10 ". "0" significava objectivitat zero, la fi del futurisme i l'inici del suprematisme, "10": el nombre estimat de participants. Malevich estava entre ells. A la cantonada vermella, a sobre de tots els llenços, on la icona es trobava tradicionalment a les barraques russes, hi penjava la "Plaça Negra". "Square" es va batejar immediatament com a icona de la nova era.
Entre "so" i "vista". Xocant o conceptualitat?
Fins al dia d’avui, molts acusen Malevich d’esforçar-se per ser famós en l’escàndol. De fet, a primera vista, aquesta exposició de la imatge sembla impactant. Però si ens fixem en què va determinar la psíquica de l’artista, queda clar quins desitjos latents van configurar la seva obra.
Kazimir Malevich era un polimorf amb una doble intel·ligència abstracta-figurativa, de la qual són responsables els vectors sonors i visuals. No obstant això, el vector sonor és dominant i el més gran pel que fa al volum de desitjos. Per a aquesta persona, una idea significativa se sent com un valor absolut. El significat per a ell és Déu.
Qualsevol cosa que faci un enginyer de so desenvolupat, sempre ho farà en nom d’una idea. Fama, atenció, honoraris: tot això sembla petit i insignificant en comparació amb el que va dedicar la seva vida.
El xoc és una de les manifestacions del vector visual. Això passa quan un potencial emocional naturalment alt no es desenvolupa i es realitza en activitats útils per a la societat. En essència, impactant és la manipulació de l’atenció, captant l’atenció del públic mitjançant tècniques prohibides.
Tot i això, és impossible culpar Malevich per un subdesenvolupament o una implementació insuficient. Fins i tot abans d’escriure The Black Square, era un mestre experimentat, tenia un excel·lent domini de la manera acadèmica d’escriure i podia crear fàcilment qualsevol imatge que evocés emocions sense recórrer a mesures extremes.
Va crear quelcom sense precedents: una paradoxa, una imatge sense imatge. Però no perquè no pogués fer una altra cosa. Aquest era el punt, la idea.
Com es mostra aquesta imatge perquè l’espectador pensi, s’aturi, canviï el paradigma de la percepció? La consciència exclou del camp de visió tot allò que nosaltres no reconeguem com a imatge. L’espectador percep imatges no identificades com a “soroll” al canal de comunicació, com un punt cec. L’espectador simplement no malgastarà energia en visualitzar-lo si el missatge li sembla sense sentit.
El quadrat negre és el manifest. Malevich va utilitzar la demostrativitat emfatitzada en la seva col·locació per treure l’espectador de l’escenari habitual i automàtic de percepció. Dóna la seva obra amb matisos de significat addicionals, la fa conceptual. Sembla que diu a l'espectador: "Mireu, aviat serà el vostre santuari".
I així va passar. Tot el ràpid desenvolupament de la humanitat al segle XX va tenir lloc sota la bandera quadrada de la intel·ligència abstracta.
Em van crucificar amb juraments …
"L'última exposició futurista" 0.10 " va convertir el món de l'art. Atrevida, impactant i incomprensible, tal impressió va causar als seus contemporanis. Tanmateix, fins i tot entre els artistes, molts no entenien com avaluar aquest fenomen. Una sèrie de crítiques va caure sobre Malevich.
"Em van crucificar amb juraments …": així comença un dels seus poemes de 1916.
Sembla que l'artista va escriure una imatge i va escriure, en l'art del segle XX, i no va passar així. Tot i això, han passat més de cent anys i el debat sobre la plaça negra no s’atura.
De fet, el llenç de Malevich s’assembla menys a la pintura tradicional: què és aquest quadre que no representa res?
L’escriptora, publicista i crítica literària russa Tatiana Tolstaya en el seu assaig "Square" sí que suggereix que Malevich va vendre la seva ànima al diable, per la qual cosa el va dotar d’una fama eterna i d’una influència absoluta en l’art i la cultura.
Tant si ens agrada o no, ara vivim en un món post-quadrat. "Square" ha tingut un gran impacte en la cultura i fins i tot en la ciència.
La guillotina del seu avió negre, amb un cop precís, va dividir la cultura en dos: un món pre-quadrat i un món post-quadrat. I, al mateix temps, va beneir la vida amb molts fenòmens nous. Disseny, fotografia, cinematografia, etc. van néixer al món post-quadrat.
No cal estimar la plaça negra, però és perillós no entendre-la avui, com ser analfabeta en una gran ciutat. És l’ABC del llenguatge visual modern.
No és gens difícil entendre aquesta paradoxa de l'art del segle XX si es mira la pintura a través del prisma del coneixement de la formació "Psicologia sistema-vector".
Què és la pintura?
La pintura és un producte de la mesura visual, la intel·ligència figurativa.
La base de la tradició pictòrica anterior a Malevich sempre la formaven la imatge i la trama. Han estat la carn i la sang de la pintura des dels seus inicis, des de les primeres pintures rupestres de l'home primitiu.
Una imatge és un conjunt de trets inherents a un objecte o fenomen, i un capoll associatiu al seu voltant. Una imatge es pot expressar, per exemple, mitjançant una paraula en un text o una imatge en pintura, escultura, dansa.
La imatge és un instrument de captació instantània. És una càpsula. Un artista o escriptor comprimeix una gran quantitat d'informació en una forma senzilla. La càpsula de la imatge s’obre dins de la consciència del que percep i afegeix aquells detalls que no eren realment a la imatge o al text, però que podrien haver estat.
Yuri Lotman, crític literari, culturòleg i semiòtic soviètic i rus, va cridar l'atenció sobre aquesta característica. Va dir que una imatge artística és capaç de generar nous significats per si mateixa.
La trama (o trama) és el context, les circumstàncies en què existeixen les imatges a l’obra. Aquest és el principal conflicte dramàtic que dóna tensió i expressió a una obra d’art. En pintura i cinematografia, aquesta tensió sovint crea un contrast: un fons dinàmic i acolorit, molta gent corre i crida i, en primer pla, hi ha una gran figura estàtica monocroma d’una persona amb un rostre impenetrable.
L’estatus sagrat de la pintura i la tradició pictòrica
La imatge és diferent de la imatge. Que? Pel seu estatus especial. Una pintura és una cosa que penja a la paret, una pintura especialment valuosa en un museu. La visita a l’exposició no és només un passeig, és un ritual. Tot aquest ambient sagrat garanteix la confiança incondicional de l’espectador en el que es pinta a la imatge.
Va passar així perquè la pintura es va originar a partir d’un fresc. El fresc de l’edat mitjana va introduir els temes bíblics en els analfabets. Va haver de mostrar el contingut de les Sagrades Escriptures amb la màxima exactitud possible, ja que les seves imatges eren confiades per aquells que no sabien llegir la font original. La pintura va heretar l'estatus sagrat del fresc i la seva credibilitat.
La tradició de la pintura europea comença amb l’artista proto-renaixentista Giotto di Bondone (1266 -1337). Giotto és el creador del llenguatge tradicional de la pintura europea. Excel·lent artista i excel·lent psicòleg, es va permetre per primera vegada interpretar l’autor, repensant la imatge i la trama. Omple els seus frescos amb els detalls i tipus més precisos, espiats a la vida. Va ser gràcies a Giotto que tots els artistes van tenir l'oportunitat de llançar-se de vegades al cor: "Però sóc artista, ho veig així!"
Aquesta tradició pictòrica va ser inquebrantable fins a finals del segle XIX, quan van aparèixer els impressionistes, després els postimpressionistes, cubistes, etc. No obstant això, fins i tot la diversitat de tendències artístiques de finals del segle XIX - principis del segle XX es va connectar com un cordó umbilical. amb el llenguatge pictòric de Giotto per la presència d’una imatge o trama. Aquesta imatge es podria recrear a partir de fang, com a la de Cézanne, tallada en petits trossos i muntada de nou en un ordre aleatori: el nas en una part de la imatge, l’ull a l’altra, com a Picasso. Però sempre ho ha estat, encara que de forma destruïda.
Sota Pere I, Rússia va adoptar la tradició artística europea i es va desenvolupar en ella amb cert retard fins a finals del segle XIX - principis del XX. No teníem impressionisme ni cubisme, però a principis del segle XX van aparèixer molts artistes interessants i originals que van sacsejar la rigidesa de les tradicions. Es tracta de l'associació d'art "World of Art" dirigida per Alexander Benois, "Jack of Diamonds" amb Konchalovsky, Mashkov, Larionov, Lentulov. "Futuristes": els germans David i Vladimir Burliuk, Natalia Goncharova i altres. Kazimir Malevich també va començar a crear amb futuristes.
Per què un quadrat és la mort de la pintura?
Per tant, la pintura, a partir del segle XIII a tot el món, és una imatge i una trama. Es creu una imatge pictòrica perquè és sagrada. I esperen d'ell una història, una història, una narració amb la interpretació de l'autor de les imatges de l'artista.
I a Rússia el 1915, a l’espai expositiu, al “racó vermell”, en un lloc emfàticament sagrat, apareix un quadre que no representa res!
Explosió de la consciència. Ni tan sols és una provocació, és un sabotatge. L'acte de destruir la cultura, "tot el que és amorós i tendre".
Com va passar que un artista normal, que encara era futurista, Kazimir Malevich, pogués fer-ho conscientment?
L'entrenament de Yuri Burlan, "Sistema-psicologia vectorial", distingeix dos tipus d'intel·ligència: la figurativa i la abstracta. Corresponen als vectors visuals i sonors …
Llegiu la continuació dels articles "Black Square": Creieu o sabeu? La segona part i la intel·ligència al quadrat: el cosmos negre del pensament abstracte. Part 3
